12 de febrero de 2013

Características generales de la G-27 . Autores y obras

En el nº 1 de la revista literaria Verso y Prosa  se detallan los siguientes nombres como componentes de la Generación del 27:

PEDRO SALINAS, JORGE GUILLÉN, RAFAEL ALBERTI, FEDERICO GARCÍA LORCA, LUIS CERNUDA, VICENTE ALEIXANDRE, GERARDO DIEGO, DÁMASO ALONSO 

Estos poetas asimilan la rica tradición literaria (Jorge Manrique, Garcilaso de la Vega, San Juan de la Cruz, Luis de Góngora, Quevedo, Lope de Vega … pero también Bécquer e incorporan los nuevos hallazgos propios de las vanguardias artísticas.


CARACTERÍSTICAS GENERALES
  •     TEMAS

1) La ciudad: la comodidad de los nuevos tiempos, los nuevos inventos, los transportes. Ciudad es sinónimo de progres. El modelo de ciudad será Nueva York
2) La naturaleza y el amor: predomina una naturaleza cercana a la ciudad. También en poemas amorosos, aparece la visión de la naturaleza humana y el paraíso aparece a veces encerrado en una habitación, la habitación del poeta
3) El compromiso: Los poetas de la generación están comprometidos con su tiempo, con el arte. Antes de 1936 evitan escribir poesía social y política, cuando estalla la guerra, se unen a poetas mayores (Machado) y más jóvenes (M. Hernández) y escriben un “Cancionero y romancero de guerra”

  •     MÉTRICA

Sonetos, (ABBA ABBA CDC DCD), Romances (8- 8b 8- 8b…) FUNDAMENTALMENTE verso libre1, verso que al no estar sujeto a normas correspondía perfectamente bien con las características del mundo moderno

  •     ÉPOCAS

1) Hasta 1929: Poesía pura: abandono de “lo humano” y búsqueda de la perfección formal que provoque el goce intelectual (la admiración, la sorpresa…)
2) Surrealismo y rehumanización: expresión lingüística irracional, el mundo de los sueños, los deseos escondidos…Lenguaje sorprendente.
3) Guerra y exilio: Gerardo Diego, Dámaso Alonso y Vicente Aleixandre permanecen en el país. Resto exilio o muerte



1 VERSO LIBRE: Sin rima y no repite mismo número de sílabas. Próximo a la prosa (Juan Ramón Jiménez, en Diario de un poeta recién casado ) suele marcar los versos por la sangría.

VERSÍCULO: verso de extensión variable que no responde a ninguna tradición

VERSO BLANCO: sin rima, pero mantienen el mismo número de sílabas 


AUTORES Y OBRAS
AUTORES Y OBRAS

Para Dámaso Alonso el concepto de  la generación es interesante y pertinente para la cultura, pero “para la historia de la literatura no existe más que el poeta individual. Por lo tanto, el valor de una generación no es cantidad conjunta, sino mera acumulación de valores individuales”. Así pues, es fundamental una visión pormenorizada de los poetas que integran el Grupo del 27.

1) PEDRO SALINAS

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tradicionalmente considerado el poeta del amor. Su obra puede verse en tres etapas:



  • Una primera etapa de poesía pura, con influencias vanguardistas y de Juan Ramón, como vemos en Presagios, Seguro azar y Fauna y signo.
  • Después, Salinas se convierte en poeta del amor. Este sentimiento se contempla como la fuerza que mueve el mundo, es necesario que sea pleno y absoluto. Amor como correspondencia entre la esencia de los enamorados, entre el tú y el yo. Así sucede en La voz a ti debida, Razón de amor y Largo lamento.


La voz a ti debida es un verso de Garcilaso. El libro está compuesto por un solo poema, dividido en fragmentos sueltos. El amor es tema único y su lectura parece un monólogo.

Razón de amor es más reflexivo, el poeta se pregunta si tendrá límites el amor, para llegar a la incertidumbre en Largo lamento, donde más que un desamor, el texto sugiere la idea de una distancia una definitiva ruptura. Hacia atrás queda el calor de los recuerdos. Hacia delante, la incertidumbre.




  • Finalmente, en el exilio, aparecen los libros de su tercera etapa. En ellos vemos cómo se debate entre la fe en la vida (optimismo vital) y el caos. El contemplado supone su descubrimiento del mar, puro y natural, sin huellas de criaturas humanas. En Todo más claro y otros poemas critica la hostilidad de la sociedad de su tiempo y en Confianza recupera el optimismo.




2) JORGE GUILLÉN

Para J Guillén la poesía es la realidad estilizada. Sus versos buscan la belleza total. Distinguimos las siguientes etapas en su producción literaria


  • Una primera, con Cántico, donde muestra una actitud vital optimista, el gozo de observar el mundo y de sentirse vivo: “el mundo está bien hecho”. Escrito con un estilo denso, donde las exclamaciones le sirven para expresar su dicha. Combina un lenguaje moderno con estrofas clásicas, sobre todo décimas.
  • En la segunda escribe Clamor. En ella protesta contra el caos y la destrucción, habla de los horrores del mundo y el lenguaje se vuelve más coloquial.
  • Finalmente, Homenaje atenúa el pesimismo.

3) GERARDO DIEGO

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En su poesía encontramos tradición y renovación : sonetos, romances junto al verso libre. Su obra sorprende por la mezcla de tonos, de temas, de estilos.
En su temática, la intimidad - recuerdos, experiencias, religión, ...- tiene una importancia capital.


Sus obras vanguardistas son más bien creacionistas, libres, imaginativas y al margen de toda lógica, como vemos en Imagen, Manual de espumas y Poemas adrede.

En las creaciones más tradicionales se centra en el amor, la religión y el paisaje. Aquí destacan Versos humanos, Versos divinos y Alondra de verdad.

4) RAFAEL ALBERTI


Miembro de una generación amante de las máquinas, del cine, de la música, de los toros y las vanguardias, el gaditano no puede evitar poetizar todo lo que surge. Esto explica la gran variedad de temas, tonos y mezcla de estilos (lo que también se debe a su larga vida, ya que prácticamente jalona todo el siglo XX). Une lo tradicional, lo barroco y lo clásico, la poesía pura, las vanguardias, el humor, la angustia y la política.

              Comienza escribiendo una poesía neopopular, en forma de canciones y con personajes del pueblo y de oficios sencillos (hortelana, jardineros, pastores, faroleros,…). Dentro de esta etapa encontramos Marinero en tierra, que sorprende por su sencillez. En ella, el mar cobra una importancia vital, más que nada por la nostalgia que de él siente el poeta. El segundo libro es La amante, de temática amorosa y versos cortos. Con el mismo estilo escribe El Alba del Alhelí, poemario en el que sigue representando a las clases más marginales, con un lenguaje que permitiría la dramatización de los versos.

El segundo periodo es el gongorismo, que enlaza con las tendencias vanguardistas y con el cultivo de las imágenes. Así sucede en Cal y canto, donde mezcla estrofas clásicas en la línea de Góngora, con imágenes vanguardistas, sobre todo futuristas.

              Así se abona el terreno para la poesía surrealista en el que aparecerá Sobre los ángeles. Éste es un libro tan bello como de extrema dureza. El tema es el desamparo al que ha llegado el poeta en esta vida, un “ángel desconocido que ha perdido su Paraíso” y lucha para poder salir de su desesperado estado. Lo llamativo es que los ángeles son criaturas que intervienen en la vida del poeta y en la creación de los versos que protagonizan y aparecen casi siempre como enemigos: ángeles crueles, vengativos, rabiosos, mentirosos, falsos, mudos, tontos o ciegos, pero de vez en cuando también como amigos inmerecidos: el ángel bueno y el ángel ángel. El poeta ha descubierto el dolor y la compasión. En adelante, intentará encontrar la salida por la solidaridad que le ofrece el comunismo para hacer más transitable el horizonte humano. Yo era un tonto y lo que he visto me ha hecho dos tontos mantiene la línea surreal con mayor contenido político. Este homenaje al cine mudo inicia la transición con el siguiente periodo: la poesía comprometida.

              Con la obra Con los zapatos puestos tengo que morir y Un fantasma recorre Europa, Alberti comienza una poesía revolucionaria y combativa, denunciando la injusticia y la represión. En 1938 aparece El poeta en la calle, recopilación de su poesía civil.

              Tras la Guerra Civil, el poeta gaditano sufre un largo exilio. Aunque continúa la poesía política, vuelve al lirismo cuando recupera el tema del exilio. A esta etapa pertenece Entre el clavel y la espada. Pleamar está escrita en verso blanco (verso medido, pero sin rima). También en el exilio escribe Retorno a lo vivo lejano y Baladas del Paraná. Tras el exilio americano, se instala en Roma y publica Roma, peligro para caminantes.

              Con la llegada de la democracia, Alberti regresa a España. En esta última etapa escribe Versos sueltos de cada día y sus memorias: La arboleda perdida.


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         Este poeta y dramaturgo une en sus versos lo culto y lo popular. Su poesía es fruto de una conjunción de inspiración y trabajo constante, como él mismo aclara: “Soy poeta por la gracia de Dios y por el esfuerzo de mi pluma”. Su obra supone el paso más evidente del yo al nosotros. Por debajo de su personalidad arrolladora late ese hondo malestar y dolor de vivir que aparecerá en todas sus creaciones.

              Nadie como él sabe intuir la eficacia de los ritmos primarios de lo popular y lo infantil para evadirse del complicado ultraísmo. En una primera etapa publica su Libro de poemas, donde todavía se escuchan ecos de Juan Ramón. En sus Canciones abunda el ritmo infantil. Pero indudablemente su mejor libro de este periodo es el Romancero gitano, donde se observa su dominio de la forma, pese a forzar todas sus composiciones a la métrica del romance. A esta estrofa tradicional, Lorca le añade vitalidad y fuerza con sorprendentes metáforas con las que mitifica a los gitanos. Sus imágenes surrealistas y la infinidad de sugestiones suponen un hallazgo definitivo, con la pena como principal protagonista, de ahí que lo hayamos escogido como obra representativa de la Generación del 27. Cierra esta fase el Poema del cante jondo, que reelabora el mundo de la canción andaluza, con la presencia obsesiva de la muerte.

              Su segunda etapa se inicia con Poeta en Nueva York, con el que incorpora un inmenso acento social a su obra. Lorca se llena de amor por los perseguidos, las minorías negras, los vagabundos,… Formalmente supone una inmersión en las técnicas surrealistas, de modo que aparecen versículos amplios e imágenes impresionantes. Este libro le sirve para verter un nuevo lenguaje poético donde sustituye el verso tradicional por el versículo. Se aprecia una asimilación personal e innovadora de la imaginación surrealista y nos enfrenta a la injusticia social y a la alienación de la moderna metrópolis, sin eludir la más honda angustia ante un mundo hostil.

              La muerte de su amigo torero le inspira el Llanto por la muerte de Ignacio Sánchez Mejías, una de las mejores elegías del siglo XX.

              El Diván del Tamarit aúna el Surrealismo con el interés por lo árabe y en los Sonetos de amor oscuro dedica los versos al amor perseguido por la sociedad y por el tiempo destructor. El amor se asocia al dolor con símbolos como la sangre y la luna, entre otros. Resuenan en estos sonetos ecos de la poesía mística, pero también de la clásica e incluso de la popular.

6) VICENTE ALEIXANDRE

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      VÍDEO 3- Entrevista RNE


Concibe la poesía como comunicación antes que belleza. Si nos fijamos en su producción, podemos decir que comienza con una etapa de desprecio por el hombre, al que considera un ser penoso e imperfecto, abocado al dolor más absoluto. Esta fase tiene como tema central la comunicación con la Naturaleza, para lo que emplea técnicas surrealistas. El primero de los libros que escribe bajo la influencia surrealista es un poemario en prosa: Pasión en la tierra. Un hondo sensualismo vaga por sus páginas, donde el poeta se complace con el goce de la creación. En esta misma línea se sitúa Espadas como labios. En La destrucción o el amor se enriquece el horizonte poético con la visión de animales y pájaros que pueblan un paraíso original. El poeta se siente destrozado por el ímpetu del amor y del odio y anhela fusionarse con todo lo creado. Hay en este libro un panteísmo amoroso.

              Lo más característico de su poesía son las imágenes visionarias, que sólo iguala Neruda. Aleixandre define la poesía como comunicación antes que belleza “no hay palabras ni bonitas ni feas en poesía, sólo palabras vivas y muertas”. Hay en él una doble corriente de  egocentrismo por una parte y de fusión con el mundo exterior por otra. Esta doble corriente de destrucción en un acto de amor por el mundo creado encuentra su concreción más pura en el último libro del poeta, Sombra del paraíso. Si Sobre los ángeles, de Alberti, canta las sombras del paraíso perdido de manera desesperanzada, Sombra del paraíso canta el éxtasis alegre del paraíso recobrado. Se trata de un libro de transición en el que redunda en la idea de la unión del yo y el mundo, pero con un tono nostálgico y triste ante un destino de fusión feliz con la naturaleza que no se ha cumplido.

              Su segunda etapa expresa la solidaridad con el hombre, visto ahora como una criatura desvalida, digna incluso en su miseria constante. Tres libros son fundamentales: Nacimiento último, Historia del corazón y En un vasto dominio. Historia del corazón inicia, junto con Hijos de la ira (de Dámaso Alonso) la literatura existencial-presocial.

              La última fase es la de la comunicación consigo mismo. Es una poesía meditativa, como observamos en Poemas de la consumación y Diálogos del conocimiento. El poeta descubre algo más allá de la unidad y de la identidad: la eternidad.

7) DÁMASO ALONSO
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          Su producción lírica se inicia con Poemas puros. Poemillas de la ciudad, en los que denota la influencia de Juan Ramón y de Machado. Sus versos se mueven en la asonancia y las imágenes son transparentes: la sombra, el cielo, el aire. También en los años veinte publica El viento y el verso, donde busca la poesía pura.

              Ya tras la guerra publica Oscura noticia. Ese mismo año, en 1944, ve la luz Hijos de la ira, de carácter existencial pero en el que no faltan acentos sociales. Sus temas, su lenguaje desgarrado y el versículo abren un nuevo camino a los poetas españoles de la posguerra.

              El tono se vuelve más dulce y optimista en Hombre y Dios. Ya en los ochenta publica Duda y amor sobre el ser supremo, en el que el tono es más religioso y existencial

8) LUIS CERNUDA


     Une en su poesía la soledad y el ansia de amor a un estilo muy peculiar, que se perfila claramente ya a partir del año 1932. Aunque en sus comienzos crea una poesía pura y surrealista, pronto sigue un camino propio, que dificulta su encasillamiento. Rechaza la excesiva musicalidad del verso, la rima y el lenguaje visionario o brillante. A éste opone uno depurado y coloquial, con influencias de Bécquer y Garcilaso. En 1936 unifica los libros anteriormente publicados en La realidad y el deseo, que pretende ser una biografía y un modelo de poesía moral. El título ilustra el desequilibrio entre la aspiración y la realidad. El poeta queda condenado a la frustración y al fracaso.

              Podemos distinguir cuatro etapas en su trayectoria poética. La primera se correspondería con sus años de aprendizaje. A ella pertenece Perfil del aire, con influencia de la poesía pura. También aquí ubicaríamos Égloga, elegía y oda, en la que se percibe todo un homenaje a Garcilaso.


              Su ciclo de juventud se abre con Un río, un amor, de  influencia surrealista, en la que el amor es lo único capaz de eliminar el hastío y la limitación de la vida. La poesía es una clara proyección de sus deseos insatisfechos. Los placeres prohibidos es una de sus obras decisivas. En ella reivindica el amor homosexual, prohibido por las convenciones sociales, mediante técnicas surrealistas. La belleza del cuerpo humano simboliza el amor y la libertad en conexión con el mar, siempre inmenso y liberador. Donde habite el olvido es la culminación del ciclo, con olvido del Surrealismo y la adopción de un neorromanticismo becqueriano. Explica los problemas amorosos de un yo en lucha con el mundo, donde el poeta anhela un universo en el que sólo exista el olvido. La tristeza del placer perdido, la imposibilidad de recuperar, pero también de olvidar, lo amado, dejan paso al deseo del olvido y de la muerte




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